La capilla de Sansevero de Napoles

Bienvenido a La capilla de Sansevero de Napoles.

La capilla de Sansevero de Nápoles (también conocida como la iglesia de Santa Maria della Pietà o Pietatella ) es uno de los museos más importantes de Italia. Ubicada cerca de la Piazza San Domenico Maggiore , esta iglesia, ahora desconsagrada, se encuentra junto al palacio de la familia de los príncipes de Sansevero, separada de él por un callejón una vez coronado por un puente colgante que permitía a los miembros de la familia acceder privadamente al lugar de culto.

“… la Capilla del Sangro, llena de barroco y sorprendentes obras de arte…”

Benedetto Croce

La capilla alberga obras maestras como el Cristo Velado de Giuseppe Sanmartino, conocido en todo el mundo por su velo de mármol que casi descansa sobre el Cristo muerto, El pudor de Antonio Corradini y el Desengaño de Francesco Queirolo, y es en conjunto un conjunto singular y lleno de significados. También alberga otras numerosas obras de fina factura o inusuales, como las máquinas anatómicas, dos cuerpos totalmente despojados donde es posible observar, con gran detalle, todo el sistema circulatorio.

Además de ser concebido como un lugar de culto, el mausoleo es ante todo un templo masónico lleno de símbolos, que refleja el genio y el carisma de Raimondo di Sangro, séptimo príncipe de Sansevero, cliente y al mismo tiempo creador del siglo XVIII. aparato artístico del siglo de la capilla.

Las decoraciones del siglo XVI han sido reemplazadas por decoraciones del siglo XVIII encargadas por el Príncipe Raimondo di Sangro. La fama del mago que lo rodea puede explicarse en parte con la era de la Ilustración. Dirigió a los artistas a quienes había encargado las decoraciones.

En la capilla, es posible notar el paso del estilo rococó tardío al neoclásico. El primero se observa en la abundancia de decoraciones alegóricas, mientras que el neoclásico se observa en los monumentos. Los grupos de mármol son muy sorprendentes. Un ejemplo es “Pudicizia”, ​​una obra de virtuosismo refinado en el que los elementos rococó se encuentran con el neoclásico.

Origen e Historia de La capilla de Sansevero de Napoles

Mientras una leyenda dice que la iglesia fue construida sobre un antiguo templo preexistente dedicado a la diosa Isis , otra, relatada en 1623 por Cesare d’Engenio Caracciolo en su Napoli Sacra , cuenta que un hombre, injustamente arrestado, fue trasladado hacia la cárcel cuando, pasando junto al muro de la finca de Sansevero, se dedicó a la Santísima Virgen. De repente, parte del muro se derrumbó, revelando una pintura (la colocada en la capilla en la parte superior del altar mayor) de la Virgen invocada, piedad que luego dará el nombre a la iglesia, dedicada a Santa Maria della Pietà. La devoción del detenido no fue puesta en balde ya que, poco tiempo después, se reconoció su inocencia. Liberado de la prisión, el hombre, consciente del milagro, hizo restaurar la Piedad, disponiendo que una lámpara de plata ardiera para siempre en su presencia.

El lugar sagrado pronto se convirtió en un popular destino de peregrinación y, por consiguiente, objeto de invocaciones. Incluso el duque de Torremaggiore, Giovan Francesco di Sangro, golpeado por una grave enfermedad, se dedicó a esta Virgen y más tarde, recuperada la salud, erigió la pequeña capilla de Santa Maria della Pietà, comúnmente conocida como la Pietatella.

Según estudios recientes, el verdadero origen de la capilla se remontaría más bien al asesinato, cometido en la noche del 16 al 17 de octubre de 1590 por Carlo Gesualdo da Venosa, en el que María d’Avalos, esposa de Carlo Gesualdo, y el su amante Fabrizio Carafa, hijo de Adriana Carafa della Spina, segunda esposa de Giovan Francesco di Sangro y primera princesa de Sansevero. Como consecuencia de este evento lúgubre, la madre de Fabrizio Carafa haría construir la capilla, pensando en ella como un voto a la Virgen para la salvación eterna del alma del niño. Como prueba de esta hipótesis, la inscripción en latín “Mater Pietatis”, presente en la bóveda de la Pietatella y contenida en un sol radiante, representaría el voto de dedicación del edificio a la Virgen.

Cualquiera que sea su origen, se comprueba que las obras de construcción de la iglesia noble comenzaron en 1593, como se puede deducir de algunas pólizas en posesión del Banco di Napoli. Veinte años después, Alessandro di Sansevero (hijo de Giovan Francesco), Patriarca de Alejandría y Arzobispo de Benevento, decidió ampliar el pequeño edificio existente, para hacerlo digno de albergar los restos de toda la familia di Sangro, como lo demuestra el mármol. placa fechada en 1613 colocada sobre la entrada principal del edificio. 

La Capilla Sansevero en el Siglo XVII

Dado que el diseño del templo noble fue reorganizado por Raimondo di Sangro en el siglo XVIII , queda muy poco de la Pietatella del siglo XVII . La restauración del siglo XVIII mantuvo inalteradas las dimensiones perimetrales y cuatro de los mausoleos laterales. Además de esto, solo quedan la decoración policromada del ábside y cuatro estatuas de la capilla original del siglo XVII.

Sin embargo, gracias a documentos de la época, se nos informa que ya en el siglo XVII la capilla de Disangriana debió caracterizarse por un alto valor artístico. Baste pensar que Pompeo Sarnelli, en su Guida de ‘forestieri, curioso por ver y comprender las cosas más notables de la ciudad real de Nápoles, y su muy agradable distrito , la describió así: 

“[…] muy adornada con obras de finísimo mármol, alrededor de las cuales están las estatuas de muchas dignas personalidades de esta familia con su alabanza”

Pompeo Sarnelli

El monumento al primer príncipe de Sansevero Giovan Francesco di Sangro pertenece a la fase del siglo XVII de la capilla, probablemente realizado por Giacomo Lazzari en la primera mitad del siglo XVII y ubicado en la segunda capilla lateral a la izquierda; la estatua del segundo príncipe Paolo di Sangro, de atribución incierta y situada en el primer nicho a la derecha; el monumento a Paolo di Sangro cuarto príncipe de Sansevero ubicado en el primer nicho a la izquierda, obra de 1642 de Bernardo (o Bernardino) Landini y Giulio Mencaglia; y el monumento al Patriarca de Alessandria Alessandro di Sangro, ubicado en el lado izquierdo de la capilla cerca del altar y obra de un artista desconocido. 

La Capilla Sansevero en El siglo XVIII

La disposición del siglo XVII de la capilla se vio alterada a partir de la década de 1840, cuando el príncipe Raimondo di Sangro comenzó a ampliarla y a encargar varias obras de arte para enriquecerla, con el fin de crear un lugar que testimoniara la grandeza de su familia.

En los años siguientes, el Príncipe Raimondo contrató a artistas de renombre internacional como Giuseppe Sanmartino, Antonio Corradini, Francesco Queirolo y Francesco Celebrano: fue en este período que se crearon obras maestras como el Cristo velado , la desilusión y la modestia .. Raimondo empleó buena parte de sus bienes, y en varias ocasiones también tuvo que contraer deudas, para terminar la construcción de la ermita. Era un cliente generoso pero también muy exigente y muchas veces dirigía personalmente las obras, de modo que las obras correspondían plenamente al papel que les había sido establecido dentro del gran proyecto iconográfico de la capilla. En algunos casos, fue el propio Príncipe quien también realizó los materiales utilizados, como la cornisa sobre los arcos de las capillas laterales o los colores del fresco de la bóveda.

Al final de las obras, se colocó una placa en el exterior de la puerta lateral de la Pietatella, con la fecha de 1767.

“Seas quien seas, o caminante, ciudadano, provinciano o extranjero, entra y rinde homenaje con devoción a la prodigiosa obra antigua: el noble templo antaño consagrado a la Virgen y majestuosamente ampliado por el ardiente príncipe de Sansevero Don Raimondo di Sangro para la gloria de sus antepasados ​​y guardar sus cenizas y las de sus cenizas para la inmortalidad en el año 1767. Observar con ojos atentos y veneración las urnas de los héroes honorables de gloria y contemplar con asombro las valiosas reverencias a la obra divina y los sepulcros de los muertos , y cuando hayas rendido los debidos honores reflexiona profundamente y aléjate”

La inscripción de la puerta lateral de la Capilla de Sansevero

La Capilla Sansevero Desde el siglo XIX en adelante

En la noche del 22 al 23 de septiembre de 1889, debido a una infiltración de agua, se derrumbó el puente que unía el mausoleo de Sansevero con el cercano palacio familiar. Como consecuencia de este suceso, que también afectó a parte de la capilla y del palacio noble, además del paseo, se perdieron los frescos bajo el gariglione y el diseño laberíntico del suelo de la capilla.

A los restauradores les resultó imposible restaurar el suelo original, que estaba gravemente dañado, y en 1901 optaron por repavimentar la capilla en terracota napolitana , mientras que el escudo de di Sangro en el centro del suelo se hizo con esmaltes amarillos y azules que reflejan los colores del apellido.

Tras su transformación en centro museístico en el siglo XIX, la capilla, además de acoger cada día a un gran número de turistas, también empezó a utilizarse como espacio para eventos y conciertos. Entre las iniciativas de 2013 se pueden mencionar, por ejemplo:

• la revista MeravigliArti, con la que Pietatella acogió eventos de literatura, música y teatro y una instalación de arte contemporáneo; 
• Lo recita Paolo Borsellino, habiendo sido (tomado libremente de la obra de Ruggero Cappuccio ), donde un grupo de actores recordó a Falcone y Borsellino, los dos magistrados de Palermo considerados héroes simbólicos de la lucha contra el crimen organizado. ^[26]

Como prueba del alto grado de atractivo que sigue demostrando el monumento, en 2013 TripAdvisor otorgó a Pietatella el premio Travellers Choice Atracciones 2013 , en base a los reportajes realizados en el sitio por usuarios de todo el mundo. La capilla, por tanto, resultó ser el museo italiano más apreciado por los usuarios del portal, frente a destinos más tradicionales como los Museos Vaticanos o la Galería de los Uffizi en Florencia. En el ranking especial dedicado a los sitios de museos europeos, encabezado por el Louvre y el Museo Británico, la capilla se clasificó en cambio en el noveno lugar general.

Arquitectura de la Capilla Sansevero

La fachada de la capilla, que se abre a la estrecha Via Francesco de Sanctis, se muestra sencilla y sobria en sus líneas, características típicas de principios del siglo XVII en las que aún pervive el espíritu clásico. Es posible acceder al interior a través del gran portal en el centro de la fachada, coronado por el escudo de armas de la familia di Sangro y donde se encuentra la placa de mármol que conmemora la obra de Alessandro di Sangro, o tomando ventaja de la puerta lateral que da a calata San Severo.

La pequeña iglesia, expresión típica del barroco napolitano, es de forma rectangular y consta de una sola nave, probablemente de 1593 . A lo largo de los muros laterales ocho arcos de medio punto , cuatro a cada lado, introducen otras tantas capillas laterales, mientras que otro gran arco separa la zona del presbiterio, situada al fondo de la iglesia y ocupada por el altar mayor. En el centro de los dos lados largos, respectivamente a la izquierda ya la derecha de quien entra, se encuentra la puerta lateral antes mencionada y el acceso a la sacristía ya la llamada cavea subterránea.

Sobre los arcos, toda la longitud de la capilla está atravesada por una cornisa , realizada con una masilla diseñada por el Príncipe Raimondo, sobre la cual comienza la bóveda de cañón, completamente pintada al fresco por la pintura de Francesco Maria Russo conocida como Gloria del Paraíso. En la base de la bóveda, inmediatamente encima de la cornisa, hay seis ventanas abocinadas que dan luz a la capilla. 

Todas las obras de arte contenidas dentro de la estructura, a excepción de cuatro, fueron encargadas por Raimondo di Sangro, y también fue responsable del piso del siglo XVIII, que consiste en una incrustación de mármol blanco y negro que simboliza un laberinto; a su creación contribuyeron autores como Francesco Celebrano, Antonio Corradini, Francesco Queirolo y Giuseppe Sanmartino.

Finalmente, sobre la puerta principal, hay una pequeña tribuna, desde la cual partía el pasaje que conectaba la capilla con el finamente estucado Palazzo di Sangro, que fue destruido en el mencionado derrumbe de 1889.

Proyecto iconográfico

El elemento más notable de la Capilla Sansevero es sin duda su conjunto de estatuas, que sigue un proyecto iconográfico cuidadosamente estudiado y deseado por Raimondo di Sangro y del que los artistas que trabajaron en las distintas obras fueron a menudo meros albaceas.

El elemento principal de este proyecto son las diez estatuas llamadas Virtudes , apoyadas en otros tantos pilares, nueve de las cuales están dedicadas a las esposas de nueve miembros de la familia Sansevero y una, la Disinganno , dedicada a Antonio di Sangro, padre del Príncipe Raimondo. .

En el interior de las capillas laterales y entremezcladas con las estatuas de las Virtudes, se encuentran los monumentos funerarios de varios príncipes y otros miembros ilustres de la familia, entre ellos el propio Raimondo di Sangro y su hijo Vincenzo, que aún vivían en el momento de las obras. La función principal de la Capilla Sansevero era de hecho la de la capilla sepulcral de la familia di Sangro y la intención de Raimondo era honrar a su familia y exaltar las virtudes y glorias de sus exponentes. 

En la disposición de las estatuas, y en particular en las representaciones de las Virtudes, también es posible notar una serie de significados alegóricos, a menudo referidos al mundo de la Francmasonería, de la cual Raimondo di Sangro fue Gran Maestro.

Dentro del proyecto del Príncipe Raimondo las Virtudes quieren representar las etapas de un camino espiritual, comparable al del masón iniciado, que conduce a un mejor conocimiento y superación personal. Parte integral de este camino es el suelo laberíntico, que representa las dificultades del camino que conduce al conocimiento.

Casi todas las Virtudes han sido modeladas según las reglas iconográficas establecidas por Cesare Ripa en su Iconología, obra especialmente apreciada por Raimondo que, entre otras cosas, financió una reedición en cinco volúmenes. Sin embargo, no siguen totalmente el modelo clásico, sino que introducen algunas innovaciones, cada una con un significado preciso.

En la representación de la Modestia -obra dedicada a Cecilia Gaetani, la madre de Raimondo di Sangro-, por ejemplo, la figura femenina velada se ve como una referencia a la diosa egipcia Isis, que jugó un papel importante en la ciencia iniciática. Todavía en la misma estatua, la lápida rota hace referencia a la muerte prematura de la mujer noble, mientras que el incensario al pie de la estatua recuerda los utilizados durante las ceremonias masónicas. La rama de roble que parece emerger de la base de la escultura es quizás una referencia al árbol del conocimiento, mientras que otra interpretación lo ve como el árbol de la vida.

La cúspide piramidal que se aprecia tras la Liberalidad , la Dulzura del yugo conyugal , la Sinceridad y la Educación es un elemento común en las representaciones funerarias de la época y simboliza la gloria de los príncipes.

Un significado ligado a la masonería también es visible en el monumento a Cecco di Sangro. La curiosa representación del guerrero, situado justo encima de la puerta de entrada de la capilla, que sale armado de un ataúd, ha llevado a su interpretación como el guardián del templo masónico. El tema de la resurrección, que se encuentra también en el Cristo velado, en el Descendimiento tras el altar mayor y en el bajorrelieve de la Modestia , es también uno de los temas más recurrentes en la capilla. 

Elemento central de la representación moderna, el Cristo velado en las intenciones del Príncipe debía ser colocado en la “cavea subterránea”, junto a las futuras tumbas de la familia Sansevero, e iluminado por lámparas perpetuas diseñadas por el Príncipe Raimondo. Sin embargo, es probable que la obra nunca fuera traída al interior del auditorio.

Que Obras Artisticas podemos ver en la Capilla Sansevero

La Capilla Sansevero es un concentrado de obras escultóricas y pictóricas, y lo primero que notas nada más entrar al edificio es el fresco que adorna el techo, conocido como Gloria del Paradiso o el Paraíso del Sangro, obra del pequeño -conocido pintor Francesco Maria Russo quien, como se informa en el propio fresco, lo creó en 1749. 

Llama la atención, dos siglos y medio después de su realización, el brillo de los colores, también en este caso debido a la inventiva de Raimondo di Sangro y su pintura definida como “holoide“.

El fresco del techo termina, en las ventanas, con seis medallones monocromáticos, en verde, con los santos patronos de la Casa: San Berardo di Teramo, San Berardo cardenal dei Marsi, Santa Filippa Mareri, San Oderisio, San Randisio y Santa Rosalía.

Debajo de estos, en correspondencia con los arcos de las seis capillas más cercanas al altar, hay seis medallones de mármol, obra de Francesco Queirolo, con las efigies de seis cardenales originarios de la familia di Sangro.

Para la estatuaria, el Príncipe llamó al escultor Antonio Corradini, veneciano y masón, quien, sin embargo, sólo logró terminar las estatuas de la Modestia (dedicada a la madre fallecida prematuramente del Príncipe Raimondo), el Decoro y la dedicada a Paul di Sangro sexto príncipe de Sansevero, además de dejar algunos bocetos para otras obras. Entre estos está el Cristo velado, cuya realización pasó luego a Giuseppe Sanmartino.

Tenemos un articulo especial explicando al detalle todo lo referente al Cristo Velado de Napoles.

Que podemos ver en SanSevero:

Amor Divino

Subtitle

Decoro

Subtitle

Desilusion

Subtitle

Auto Control

Subtitle

Educacion

Subtitle

Liberalidad

Subtitle

Modestia

Subtitle

Sinceridad

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Dulzura del Yugo Matrimonial

Subtitle

Celo Religioso

Subtitle

AMOR DIVINO

Francesco Queirolo (?), Segunda mitad del siglo XVIII.

El amor divino, dedicado a Giovanna di Sangro de los marqueses de San Lucido, esposa del quinto príncipe de Sansevero, Giovan Francesco di Sangro, es aún ahora de atribución incierta. Las similitudes estilísticas con otras obras de Queirolo llevan de todos modos a suponer que esta Virtud se le puede atribuir. Sin embargo, es posible que el concepto original fuera el de Corradini.

Un joven envuelto en un manto mirando hacia el cielo y sosteniendo un corazón en llamas en su mano derecha ensalza el amor de Dios de la mujer noble, conmemorado en la inscripción en el pedestal. La escultura está conceptualmente, y en términos de ciertos rasgos estilísticos, vinculada al Decoro, mientras que el corazón llameante recuerda insistentemente otros grupos de mármol con el mismo símbolo.

La estatua recibió elogios especiales del historiador de arte del siglo XIX Leopoldo Cicognara, quien incluso la consideró la más hermosa en el mausoleo de di Sangro, presumiblemente porque “con su sencillez – observa Rosanna Cioffi – debe haberle parecido la más ‘neoclásica’ en la Capilla ”. A pesar de la falta de inspiración profunda, el artista dota al tema de una cierta vitalidad descriptiva.

A la derecha de la “puerta principal” de la Capilla (al entrar), la estatua conmemorativa parece ser una exaltación ortodoxa del amor por Dios, que hace arder el corazón con pasión mística. Las diversas referencias simbólicas a procesos alquimistas e iniciáticos que se encuentran en la Capilla, sin embargo, llevan a pensar que hay una referencia al fuego que el alquimista recibe de Dios.

DECORO

Antonio Corradini, 1751-52.

Esta obra, dedicada a la primera y segunda esposas de Giovan Francesco di Sangro, príncipe de Sansevero, representa la cualidad que comparten estas dos mujeres: el decoro. El historiador Giangiuseppe Origlia lo incluye entre las pocas obras completadas por Corradini antes de su repentina muerte, y las guías más importantes de los siglos XVIII y XIX coinciden.

Esta Virtud está encarnada en la forma de un joven parcialmente envuelto en una piel de león. A su lado, la cabeza del mismo animal, descansando sobre una media columna, simboliza la victoria del espíritu humano sobre la naturaleza desenfrenada. La pose y la complacencia de esta forma recuerdan la modestia de Corradini, pero el resultado es menos agradable aquí.

La columna lleva la inscripción “Sic floret decoro decus”, es decir, “Así brilla la nobleza en su decoro”. El joven lleva un buskin en su pie derecho y en el izquierdo un simple zueco, indicando su doble relación con el mundo celeste y el inframundo, así como, para algunos, su naturaleza andrógina, y también el comportamiento que cada hombre debe adoptar como corresponde. su estación.

Origlia también cuenta que la columna que sostiene la estatua se enriqueció con un bajorrelieve, que representa la historia bíblica de Susana tentada por los Ancianos. Por alguna razón desconocida, el bajorrelieve fue reemplazado en 1755 por la inscripción que aún se puede ver en la columna.

DESILUSIÓN

Francesco Queirolo, 1753-54.

La obra maestra de Queirolo es sin duda Desilusión, una obra dedicada por Raimondo di Sangro a su padre Antonio, duque de Torremaggiore. Tras la muerte prematura de su esposa, Antonio llevó una vida agitada y desordenada, confiando a su hijo al cuidado de su abuelo Paolo. “Esclavizado – como dice la placa – a las pasiones juveniles”, el duque viajó por toda Europa, pero en su vejez, ya cansado y arrepentido de sus errores, regresó a Nápoles, donde pasó sus últimos años en la tranquilidad de los sacerdotes. vida.

El grupo de esculturas describe a un hombre liberado del pecado, representado por la red en la que el artista genovés puso toda su extraordinaria habilidad. Un pequeño espíritu alado, con una pequeña llama en la frente, símbolo del intelecto humano, ayuda al hombre a liberarse de la intrincada red, mientras señala el globo a sus pies, símbolo de las pasiones mundanas. Un libro abierto descansa sobre el globo terráqueo; es la Biblia, un texto sagrado, pero también una de las tres “grandes luces” de la Masonería. El bajorrelieve en el pedestal, con la historia de Jesús devolviendo la vista a los ciegos, acompaña y refuerza el sentido de la alegoría.

En su Istoria dello Studio di Napoli (1753-54), Giangiuseppe Origlia define acertadamente esta estatua como “la última y más difícil prueba a la que puede aspirar la escultura en mármol”. La referencia es, naturalmente, al trabajo virtuoso en la red, que asombró a viajeros famosos de los siglos XVIII y XIX y sigue asombrando a los turistas de hoy. Al respecto, cuenta la historia que -como ya le había pasado a Queirolo años antes, cuando estaba trabajando en otra estatua- el escultor tuvo que bruñir la escultura con piedra pómez personalmente, como los artesanos de la época, aunque especializado en la fase de bruñido. , se negó a tocar la delicada red en caso de que se rompiera en pedazos en sus manos.

La desilusión, como continúa diciendo Origlia, es una obra “únicamente de la invención del Príncipe, y es completamente nueva en su tipo”, ya que no se encontró nada similar en el arte antiguo o moderno. Este monumento tiene, y no por casualidad, una simbología rica y compleja. La referencia al contraste entre la luz y la oscuridad, evocada por la alegoría principal, así como el bajorrelieve (con la frase “Qui non vident videant”) y pasajes bíblicos grabados en el libro abierto, parece ser una clara referencia a la masónica. iniciación, donde los iniciados entraban con una venda ritual en los ojos para abrir los ojos a la nueva luz de la Verdad que guarda la Logia. La dedicación de Raimondo es verdaderamente hermosa: la vida de su padre se utiliza como un ejemplo inmortal de “fragilidad humana, que no puede conocer grandes virtudes sin vicio”.

AUTO CONTROL

Francesco Celebrano, 1767.

Este monumento conmemora a Geronima Loffredo, abuela paterna de Raimondo di Sangro. El autocontrol es una estatua diseñada por Queirolo pero que no pudo realizar, porque su relación con el príncipe de Sansevero se agrió: de hecho, en 1767, Francesco Celebrano firmó en el sentido de que era escultor y no inventor.

El símbolo de la fuerza de carácter del difunto, “nunca vencido por el destino hostil ni demasiado exaltado por la fortuna”, es este soldado romano con un león domesticado encadenado, casi hipnotizado por la mirada del hombre: el intelecto y así prevalecerá sobre el instinto. , energía salvaje y la vanidad de las pasiones.

El resultado puramente artístico de esta obra no está a un nivel muy alto, tanto que en su testamento Raimondo di Sangro la nombró como una de las pocas obras de la Capilla que le gustaría ver rehecha por un mejor artista. En Autocontrol, Celebrano muestra su tendencia al decorativismo, interpretando sin patetismo el modelo de arcilla de Queirolo. Dos putti y un medallón con el perfil de Geronima Loffredo completan la obra. La placa conmemorativa data de 1759.

El tema del control de las pasiones es un tema clásico de la masonería del siglo XVIII, así como una etapa ineludible en cualquier proceso iniciático. En la iconografía de los alquimistas, el león es a veces símbolo de la materia primordial y, a veces, como con el león “rojo”, la realización de la piedra filosofal.

EDUCACIÓN

Francesco Queirolo, 1753.

El monumento fue erigido por deseo de Raimondo di Sangro en memoria de Girolama Caracciolo y Clarice Carafa di Stigliano, primera y segunda esposas de Paolo di Sangro, segundo Príncipe de Sansevero. La estatua de Queirolo y la placa datan de 1753.

La educación, representada alegóricamente por una mujer que quiere instruir a un niño, lleva sobre el pedestal el lema “Educatio et disciplina mores faciunt”, es decir, “La educación y la disciplina forman el buen comportamiento”. El discípulo, escuchando atentamente las solícitas lecciones del maestro, sostiene el De officiis de Cicerón en la mano izquierda. Se consideró que este texto era una guía insustituible para el problema moral de lo que es útil y honesto.

Muchos historiadores del arte, desde Leopoldo Cicognara a Rosanna Cioffi, consideran que esta obra es una de las menos exitosas de Queirolo: la pesada figura de la matrona y los rígidos cortinajes no logran alcanzar la gracia y el equilibrio que el artista genovés supo dar a sus sujetos ( y que sin duda habría marcado el modelo a escala de Educación de Corradini). Sin embargo, observa Marina Causa Picone, “no le faltan detalles inspirados y vibrantes, como el libro abierto en la mano del niño, que recuerda el mismo tema vivo y rico que los libros de Desilusión”.

La educación también presenta una cara de una pirámide contra el pilar, en la parte superior del cual hay un medallón con retratos de las antepasados ​​femeninos de Raimondo. Como el control de los impulsos (simbolizado por el Autocontrol), la educación a través del estudio de los textos tradicionales y la disciplina interior representa una etapa obligatoria para alcanzar la perfección que el discípulo aspira.

LIBERALIDAD

Francesco Queirolo, 1753-54.

Esta obra fue terminada por el genovés Francesco Queirolo al mismo tiempo que Desilusión y Educación. La liberalidad está dedicada a la memoria de Giulia Gaetani dell’Aquila d’Aragona, esposa del cuarto príncipe de Sansevero.

La figura femenina idealizada de tamaño natural se representa fácilmente en el refinamiento del rostro y en los suaves pliegues de la ropa. En su mano izquierda la mujer sostiene una cornucopia rebosante de oro y joyas, mientras que en la derecha sostiene algunas monedas y una brújula, emblemas de generosidad y equilibrio. El águila, colocada simétricamente al cuerno de la abundancia, representa la fuerza y ​​la templanza, además de ser, según los bestiarios medievales, el único animal capaz de mirar al sol.

Detrás de la figura está esculpida en mármol, como se define en la nota Breve, una guía del siglo XVIII para el Palacio y la Capilla Sansevero, una “especie de pirámide”. Es, para ser más precisos, una de las cuatro caras de una pirámide con su piramidión, simbólicamente completada por las otras tres caras colocadas detrás de la dulzura del yugo marital, la sinceridad y la educación. La pirámide es un elemento decorativo de uso frecuente en la iconografía funeraria occidental y, según la Iconología de Ripa, se adapta a la representación de la “gloria de los príncipes”.

Sin embargo, la cultura de Raimondo di Sangro, las referencias que hace en la Lettera Apologética a Hermes Trismegistus y las obras de Athanasius Kircher (célebre egiptólogo del siglo XVII) y, por último, los múltiples elementos alusivos a la tradición iniciática a lo largo de la Capilla Sansevero Supongamos que la presencia de la pirámide es una referencia simbólica a la Sabiduría del Antiguo Egipto y la teología prisca.

MODESTIA

Antonio Corradini, 1752.

Con Cristo velado y Desilusión, la modestia constituye la tríada de la excelencia artística en la Capilla Sansevero, sancionada por viajeros, guías e historiadores del arte desde el siglo XVII. Raimondo di Sangro dedicó el monumento a la memoria de su “madre incomparable”, Cecilia Gaetani d’Aquila d’Aragona, fallecida el 26 de diciembre de 1710, cuando Raimondo aún no tenía un año.

La modestia la completó en 1752 el veneciano Antonio Corradini, escultor de fama europea ya al servicio del emperador Carlos V en Viena, llamado por el Príncipe de Sansevero para ser el co-diseñador y realizador del proyecto de su Capilla (pero Corradini , como podemos ver en una placa erigida por di Sangro, perpendicular a la columna donde se sitúa Modestia, murió en 1752 “dum reliqua huius templi ornamenta meditabatur”).

Aquí, el artista, que también había esculpido otras figuras veladas, alcanza un notable grado de perfección en la conformación del velo tendido con elegancia y naturalidad sobre el cuerpo de la mujer, como si el vapor de los quemadores de incienso contribuyese a humedecer la capa impalpable y extraordinariamente adherente. a la piel, ceñido con una guirnalda de rosas. La mirada perdida en el tiempo, el árbol de la vida y la placa rota son los símbolos de una existencia truncada demasiado pronto y expresan el dolor del hijo Raimondo, que así quiso preservar para el futuro los rasgos y virtudes de su joven. madre. El bajorrelieve del pedestal también hace referencia explícita al relato evangélico Noli me tangere (Cristo se aparece a la Magdalena vestido de jardinero).

La intención de conmemorar a Cecilia Gaetani no es el único significado de esta estatua. La mujer velada puede interpretarse como una alegoría de la Sabiduría, y la referencia a la Isis velada, divinidad especial de la ciencia de la iniciación, parece extremadamente clara (sin considerar que una larga tradición, en realidad sin fundamento, sostiene que la modestia se sitúa en el lugar donde una vez estuvo una estatua de Isis en la Neapolis griega). Los historiadores del arte Joseph Rickwert y Rosanna Cioffi también han demostrado que la Verdad Velada grabada en el centro de la portada de la Encyclopédie es muy similar a la Modestia de Corradini, y la asociación del escultor con la masonería está documentada. El roble que brota de la piedra desnuda, por último, es considerado por algunos como una alusión al arbor philosophica.

SINCERIDAD

Francesco Queirolo, 1754-55.

Como las otras obras de la Capilla, Sincerity también fue diseñada por Corradini, quien había realizado una maqueta, pero el grupo muestra el toque totalmente personal de Queirolo quien, como dice Giangiuseppe Origlia, “trabajó” en este mármol en 1754. Virtue is dedicado a la esposa de Raimondo di Sangro, Carlotta Gaetani. Como el monumento fue erigido mientras Carlotta aún estaba viva, aquí también, como en el caso de la dulzura del yugo marital, el retrato grabado en el medallón no está completamente delineado.

Una mujer de serena belleza, envuelta en cortinas estáticas recogidas con gracia y elegancia, sostiene un corazón en su mano izquierda, y en la derecha un caduceo, siendo el primero un símbolo de amor y caridad, y el otro de paz y razón. A continuación, podemos admirar un putto regordete de admirable ejecución, quizás de Paolo Persico, y dos palomas que representan la pureza, la lealtad marital, la fertilidad y, en el lenguaje de la alquimia, el albedo de la materia prima, antes de su transformación en piedra filosofal. La placa de la columna, que exalta las cualidades de la mujer noble, fue realizada por Raimondo di Sangro en 1758.

El modelo de Sinceridad -como las demás Virtudes- sigue los cánones establecidos por la Iconología de Cesare Ripa (primera edición: Roma 1593), pero hay algunas variaciones evidentes, la más importante de las cuales es el caduceo. Está formado por una vara alrededor de la cual se entrelazan dos serpientes. Este fue el símbolo pagano de Hermes / Mercurio, y más tarde representó la ciencia Hermética. En alquimia, el caduceo simboliza la coincidentia oppositorum, o la unión de opuestos, azufre y mercurio. Como otros tres grupos de mármol, Sincerity también se caracteriza por un lado de una pirámide contra una columna.

Esta obra de Queirolo es un perfecto ejemplo de la interpretación original que la idea del Príncipe da a los principios iconográficos establecidos por la tradición. La exaltación de las virtudes de Carlotta Gaetani se enriquece, gracias a la incorporación de nuevos símbolos, con otros significados y otras alusiones.

Dulzura del yugo matrimonial

Paolo Persico, 1768.

Raimondo di Sangro dedicó su Dulzura del yugo marital a la esposa de su hijo mayor Vincenzo, Gaetana Mirelli de los Príncipes de Teora, cuando ella estaba en la flor de la juventud. Es por ello que el perfil de la mujer es poco más que un boceto en el medallón, como era habitual en el caso de los monumentos a los que aún viven. Paolo Persico cobró ciento sesenta ducados por este trabajo.

El grupo de mármol retrata a una mujer de vientre abultado que sostiene un yugo de plumas que representa la dulce obediencia, y en su mano derecha sostiene dos corazones en llamas (profundo amor mutuo). A sus pies, un putto alado juega con un pelícano, emblema de la caridad. En la iconografía medieval, de hecho, el pelícano que se perfora el pecho para amamantar a sus crías representa el sacrificio de Cristo en la cruz.

Los temas de esta alegoría de Persico, un escultor de Sorrento, son particularmente carnales y muestran un decorativismo exagerado. Vemos motivos familiares de dos estatuas más en el mausoleo de Sansevero, incluida la ropa transparente, pero con objetivos y resultados menos sorprendentes. Como en otras tres estatuas de la Capilla, la columna es el soporte de una cara de una pirámide.

Y también en este monumento, varias interpretaciones han incluido alusiones a procedimientos relacionados con la alquimia. Reflexionando un momento sobre un rasgo iconográfico, el pelícano, se puede decir que este pájaro no solo simboliza un tipo particular de retorta (un recipiente para la destilación), sino que representa una imagen de la piedra filosofal dispersa en plomo en estado fluido. Por último, según la tradición hermética, la sangre del pelícano es la llamada quintaesencia natural.

CELO RELIGIOSO

Fortunato Onelli, Francesco Celebrano y otros, 1767.

Dedicado a Ippolita del Carretto y Adriana Carafa della Spina, esposas del fundador de la Capilla Giovan Francesco di Sangro, el Celo Religioso es aparentemente la obra más “ortodoxa” de la Capilla Sansevero.

La ferviente devoción de las dos mujeres se pone de manifiesto en este complejo conjunto escultórico, dominado por la figura de un anciano con la Luz de la Verdad en una mano, y en la otra un latigazo para castigar el sacrilegio, mientras pisotea un libro del que emergen las serpientes de la herejía. Un putto con una antorcha completa el trabajo de destruir los textos heréticos, y otros dos puttini sostienen el medallón que representa a las dos mujeres de perfil.

Zeal, un grupo estilísticamente armonioso, se atribuyó durante mucho tiempo a Corradini y luego a Queirolo, pero algunos documentos que han salido a la luz en el Archivo Histórico del Banco de Nápoles atribuyen la obra a Fortunato Onelli, un artista napolitano que trabajó con Celebrano, y quién era al menos responsable de la supervisión. Además, un documento de septiembre de 1767 muestra que para “corregir los errores” cometidos por Onelli, “y terminar el trabajo prometido”, se recurrió a “otros maestros expertos”. La placa conmemorativa erigida por Raimondo di Sangro tiene la fecha de 1756.

Como otros monumentos de la Capilla Sansevero, también el Celo Religioso sigue en gran medida la práctica iconográfica de Cesare Ripa, pero diverge en muchos detalles. El modelo carece, por ejemplo, tanto de libros como de serpientes, elementos ricos en significado y diferentes al simbolismo devocional de Zeal. Cabe señalar, por último, que también en los estatutos masónicos del siglo XVIII, el más “sincero e inviolable celo por la religión” era un requisito formal.

Otra cosa que ver en la capilla es la cavea. Aquí, hay dos esqueletos de un hombre y una mujer que mantienen su sistema arterial y venoso. Se dice que Raimondo ha inyectado en los dos cuerpos una sustancia capaz de detener el proceso de descomposición.

Planigrama de la Capilla Sansevero

La Capilla SanSevero Explicada por Jago, “El Miguel Angel” del siglo XXI

¿Quién es Jacopo Cardillo, alias Jago?

Nacido en 1987, originario de Frosinone, Jago es un empresario italiano que trabaja principalmente en la escultura y la producción de vídeo. Formado en la Academia de Bellas Artes, comenzó su producción artística muy joven, primero en Grecia, en Naxos, y luego en Italia, entre Roma y Verona. “Mi madre es profesora”, dice el artista. Le doy las gracias porque me enseñó a hacer novillos. Me llevó a visitar los Museos Capitolinos y el Vaticano. Una vez me dijo: ‘Ese es Miguel Ángel’. Hizo la Piedad con sus propias manos. Tú también puedes hacerlo. Copiar para aprender, no copiar por copiar”. Una lección inestimable”

Pronto se dio cuenta de que el extranjero tenía más que ofrecer y se trasladó a Nueva York, mientras seguía trabajando entre Estados Unidos, China e Italia. Muy apreciado por el público y la crítica, ha recibido varios premios nacionales e internacionales y ha expuesto en numerosas muestras. Uno de ellos, a petición explícita de Vittorio Sgarbi: la 54ª edición de la Bienal de Venecia, Pabellón de Italia, donde expuso el busto de mármol del entonces Papa Benedicto XVI (2009) por el que recibió la Medalla Pontificia ese mismo año.

Jago y su Hijo Velado

El Hijo Velado es una obra realizada en Nueva York, pero ha encontrado un hogar en el barrio de Sanità de Nápoles. La nueva obra de Jacopo Cardillo, alias Jago, es un símbolo de lucha y esperanza. La escultura se inauguró el 21 de diciembre en la Cappella dei Bianchi, dentro de la iglesia de San Severo en el barrio de Sanità de Nápoles, en una exposición comisariada por Luca Ivarone. La ciudad también alberga el Cristo Velado, una obra maestra de Giuseppe Sanmartino que Jago recuerda en el nombre, pero no en la intención. Es una escultura que amé profundamente”, dice el artista,

“es un punto de referencia absoluto”.

Jago

Para mí fue interesante poder partir de esa imagen establecida para aportar una historia diferente. El Cristo Velado es un hombre que se sacrificó conscientemente por el bien de la comunidad. El Hijo Velado no es un santo, no es una imagen religiosa. Es un niño, víctima de nuestra inconsciencia y de la conciencia de quienes hacen ciertos gestos. Es un hijo, porque es de todos.

El Hijo Velado de Jago está en el barrio de Sanità de Nápoles

El niño está tumbado en el suelo, con la cara ligeramente de perfil, sus ojos se vislumbran cerrados a pesar del ligero velo que cubre todo su cuerpo, dejando sólo una mano al descubierto, indefensa. Esta escultura es un símbolo que nos recuerda las demasiadas masacres que se han producido en el Mediterráneo y en todo el mundo. Es una obra que habla por sí misma:

“No quiero explicarla. Hablo con esa imagen. Ciertamente hay denuncia, alegría, sufrimiento, pero también esperanza. No me gusta especialmente, creo que la esperanza es para los desesperados. Pero al crear esta obra, he conocido a personas a las que sólo les queda la esperanza.”

Jago

Tras una larga gestación de seis meses -el proyecto nació en 2017-, el Hijo Velado vio la luz, pero no en Italia: en Nueva York. Aunque más tarde regresó a Italia, encontrando su hogar en Nápoles.

“Tuve que irme porque aquí no había nadie que pudiera apoyarme en una operación tan complicada. Esta es la paradoja. Para hacer algo por Italia hay que ir a otra parte. Cuando estás fuera, es cuando estás en casa. Estás ahí con tu corazón, con tus recuerdos, con tus emociones. Se genera un sentido de la responsabilidad. Quiero exportar más de mi tierra al extranjero: no somos sólo pizza y mafia. Sé que cada gesto que hago es el gesto de toda Italia.”

Jago

LAS MAQUINAS ANATOMICAS DE SANSEVERO

LAS MAQUINAS ANATOMICAS
Giuseppe Salerno, c. 1756-1764

En la Cámara Subterránea de la Capilla Sansevero, alojadas en dos vitrinas, se encuentran las famosas Máquinas Anatómicas o Estudios Anatómicos, es decir, los esqueletos de un hombre y una mujer en posición erguida con su sistema arteriovenoso casi perfectamente intacto.

Las Máquinas fueron realizadas por el médico de Palermo Giuseppe Salerno, y algunas fuentes del siglo XVIII recientemente sacadas a la luz dan fe de que la máquina anatómica masculina fue comprada en 1756 por Raimondo di Sangro tras una exposición pública que el patólogo siciliano celebró en Nápoles. El príncipe contrató a Salerno y, otorgándole una cuantiosa pensión anual, le encargó la fabricación de la otra máquina anatómica.

Estos inquietantes objetos se guardaron en una habitación del palacio del Príncipe de Sansevero llamada “el Apartamento del Fénix”, como varios viajeros y el Breve nota di quel che si vede en la casa del principe di Sansevero, anónimo decimoctavo. Siglo guía del Palacio y de la Capilla Sansevero, atestiguan.

Esta fuente describe en detalle las Máquinas, desde los vasos sanguíneos de la cabeza hasta los de la lengua y agrega que a los pies de la mujer se colocó “el cuerpecito de un feto”, junto al cual estaba incluso la placenta abierta, conectada al feto por el cordón umbilical.

Los dos estudios anatómicos se trasladaron a la Capilla, y de esta manera se salvaron de la destrucción o pérdida, mucho después de la muerte del Príncipe. Los restos del feto aún eran visibles hasta hace algunas décadas, cuando fueron robados.

Las dos máquinas anatómicas se encuentran entre las exhibiciones más enigmáticas del complejo monumental. Incluso hoy, más de doscientos cincuenta años después, continúa el debate sobre los procedimientos y materiales utilizados para obtener tan excelente conservación del aparato circulatorio.

Alimentando la “leyenda negra” de Raimondo di Sangro, la Breve nota se refirió a “inyección”, sugiriendo que, bajo la dirección del Príncipe, Salerno había inyectado una sustancia en los vasos sanguíneos de dos cuerpos para provocar su “metalización”.

Benedetto Croce también cuenta que, según la creencia popular, Raimondo di Sangro “hizo matar a dos de sus sirvientes, un hombre y una mujer, y embalsamaron extrañamente los cuerpos para que mostraran todas las vísceras, las arterias y las venas”. En realidad, el sistema circulatorio es el resultado de una reconstrucción realizada con diferentes materiales entre los que se incluyen cera de abejas y colorantes.

Sin embargo, lo sorprendente es la reproducción del sistema arteriovenoso hasta en los vasos más finos, que muestra un conocimiento anatómico tan increíblemente avanzado para la época, que un grupo de investigación ha sugerido recientemente que se habían realizado experimentos con inyecciones antes de la reconstrucción.

Estos experimentos deben contextualizarse dentro del amplio espectro de experimentos e intereses del Príncipe de Sansevero, quien también se interesó por la medicina. Además, el esqueleto de la mujer estaba sobre una base y podía hacerse “girar a la derecha para permitir la observación de todas las partes”, lo que lleva a la conclusión de que Raimondo di Sangro lo había diseñado como objeto de estudio.

No debe olvidarse, sin embargo, que tenía la intención, y tuvo éxito, de asombrar a los observadores contemporáneos y futuros, y la ubicación original de las Máquinas en el Departamento del Fénix es significativa, dada la asociación del ave en cuestión con el mito. de resurrección e inmortalidad.

CÓMO LLEGAR AL MUSEO CAPPELLA SANSEVERO

DONDE ESTAMOS
Museo Cappella Sansevero
Via Francesco De Sanctis, 19/21
80134 – Nápoles
Tel./fax: +39081 5518470

CÓMO ENCONTRARNOS
La Capilla Sansevero está situada en el corazón de la histórica Nápoles, detrás de la Piazza San Domenico Maggiore.

Llegando desde la autopista:
Salga de la autopista por la salida “Porto”. Aparcar en el aparcamiento Parcheggio Brin. Tome el autobús 154 en Via Volta y bájese en la parada marcada “Marchese Campodisola”.
Alternativamente, diríjase a Piazza Garibaldi y deje el coche en el aparcamiento de via Mancini.
Desde Piazza Garibaldi:
151 autobús / tranvía1 (o servicio de sustitución 601): bájese en via Nuova Marina (en el cruce con Via Porta di Massa) y suba por Mezzocannone;
Metro Línea 1 (bajar en las estaciones Università o Dante);
Metro Línea 2 (bajar en la estación Cavour);
Alibus: bájese en Piazza Municipio. Desde aquí, tome la línea 1 del metro (bájese en la estación Dante).
Un corto paseo desde Piazza Garibaldi, Corso Umberto I:
Trolebús 202 o autobús R2 (bájese en el cruce con via Tari en Corso Umberto).
Llegando en tren:
Estos medios de transporte también son útiles para quienes viajan en tren, llegando a la estación Garibaldi.
Llegando desde el aeropuerto:
Tome el Alibus de Capodichino y bájese en la parada Garibaldi, desde donde puede tomar:
151 autobús / tranvía1 (o servicio de sustitución 601): bájese en via Nuova Marina (en el cruce con Via Porta di Massa) y suba por Mezzocannone;
Metro Línea 1 (bajar en las estaciones Università o Dante);
Metro Línea 2 (bajar en la estación Cavour).
Da corso Umberto I Filobus 202 oppure bus R2 (scendere al corso Umberto, altezza via Tari).
Alternativamente, tome el Alibus y bájese en Piazza Municipio, donde puede tomar la Línea 1 del metro (bájese en la estación Dante).
Llegando por mar:
Desde el puerto de Mergellina: tome el autobús 151 desde el puerto de Mergellina y bájese en Via Nuova Marina (en el cruce con Via Porta di Massa) o tome la línea 2 del metro (bájese en la estación de Cavour).
Desde molo Beverello: bus 151 o 154 o 601 (ver “llegando desde la autopista” para los nombres de las paradas);
Metro Línea 1 desde Piazza Municipio (bájese en la estación Dante).
En todos los casos hay una caminata adicional de alrededor de 5/10 minutos. Para más información, o para comprobar cualquier cambio en las rutas del transporte público urbano, le recomendamos encarecidamente que consulte los siguientes sitios:

www.anm.it
www.trenitalia.com
www.italotreno.it
www.vivere.napoli.it/sezioni/mobilita/mezzi-pubblici/

HORARIO DE APERTURA de la Capilla de Sansevero

Horarios a partir del 8 de julio de 2020
Miércoles a domingo: 9.00 a 19.00 h.
Lunes y martes cerrado
Última entrada: 30 minutos antes del cierre
Covid-19: política de acceso al museo

Se recomienda encarecidamente la reserva en línea (boletos en línea) para permitir la regulación del acceso de visitantes y en interés de la seguridad.
La reserva online es el único medio de garantizar la entrada al Museo. También le permite elegir la fecha y el intervalo de tiempo deseados.

Una cantidad residual de entradas de última hora estará disponible todos los días en que el Museo esté abierto. Se pueden adquirir en taquilla hasta agotar existencias.

La reserva online es obligatoria para grupos de 10 personas o más, y las entradas de última hora para grupos no están disponibles en taquilla.

Se puede admitir un máximo de 45 personas en las tres áreas del Museo a la vez.

APERTURA / CIERRE ESPECIAL Y HORARIO DE APERTURA EXTENDIDO / REDUCIDO
Lunes 2 de noviembre de 2020: 9.00 – 19.00 horas

Capilla de Sansevero ENTRADAS

Entrada estándar: 8,00 €
Artecard: 6,00 €
Socios FAI: 6,00 €
Jóvenes de 10 a 25 años: 5,00 €
Niños hasta 9 años: Gratis
Escuelas *: 3,00 € (esta tarifa es válida solo de lunes a viernes)
Audioguía: 3,50 €
Se aceptan pagos mediante débito directo o tarjeta de crédito.
* ESCUELAS JUNIOR, MEDIA Y SECUNDARIA.
Entrada gratuita para un profesor acompañando a diez alumnos.
Las clases nocturnas no se benefician de la tarifa escolar especial.